les détourner poétiquement, s’inscrit dans une réflexion sur notre modernité, sur la façon dont la science nous force dorénavant à percevoir la réalité.

Et plus spécialement dans cette exposition, il semble que ce questionnement passe par la vision.
Il s’agissait de présenter physiquement dans l’espace le processus de la vision, et à travers cette représentation, de réfléchir sur l’acte de voir. Est-ce qu’on voit tout ?, est-ce qu’on voit sans vraiment voir ?, est-ce que l’o comprend ce que l’on voit ? La société brasse en permanence d’invraisemblables quantités d’informations pour la plupart véhiculées par l’image, mais que retient-on de cette matière volatile, en constant renouvellement ? Il m’importe de comprendre ce que je vois, c’est cette volonté de comprendre, de rendre intelligible et concret, qui a dirigé la préparation de mon exposition. À partir de schémas presque scolaires, je mets en scène le fonctionnement de la vision afin qu’en sachant comment « cela marche », on soit apte à s’en servir.
Le procédé est à la fois très didactique et métaphorique : un jeu autour de la connaissance concrète d’un mécanisme et la réflexion plus large qu’on est invité à tirer de cette connaissance, sur le fonctionnement du monde par exemple. Il ne s’agit évidemment pas de se transformer en maîtresse et de faire la leçon, mais de mettre en branle son imagination, d’exciter la sensibilité, l’intelligence.
C’est d’ailleurs de cette manière que s’est constituée cette exposition. Le projet s’est élaboré mentalement, comme une histoire qui se construit peu à peu, une action en engendrant une autre. Ici, chaque pièce découlait de la précédente, ce qui fait de chacune un élément aussi essentiel à la structure et à la cohérence de l’ensemble qu’un chapitre à une histoire. Je voulais matérialiser le processus de création, le faire exister par la sculpture, restituer physiquement une pensée artistique, ses divagations, ce dont elle se nourrit, à travers ses lectures, ses observations. Autant de choses qui n’ont pas d’utilité en soi, comme l’art, mais dont on a malgré tout besoin.

À ce sujet, cette galerie n’est-elle pas justement un luxe, une « chose qui n’a pas d’utilité en soi » mais dont on a malgré tout besoin.
De mon point de vue, ce qui distingue la galerie (EvaHober d’un autre lieu, c’est la possibilité que l’on a de montrer son travail au fur et à mesure qu’il se fait. Cela induit une forme de spontanéité, une urgence qui situe notre travail dans le domaine de l’expérimentation et nous écarte un peu de celui de la réalisation d’une œuvre d’art indéfiniment pensée et retouchée. Dans ce contexte, l’échange avec d’autres artistes comme avec le public, est capital, il oblige à se justifier, à s’interroger sur son propre travail autant que sur celui des autres, à se remettre continuellement en question. Cette confrontation est un des aspects essentiels de ce lieu, non seulement parce qu’elle permet au visiteur de rencontrer l’auteur de ce qu’il voit, de dialoguer avec l’œuvre à partir de jalons et de pistes, mais aussi parce que cet échange nourrit notre travail et notre démarche

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