Par Xavier Grégoire

Chacune de ces questions agite depuis longtemps l’histoire de l’art, chaque artiste apporte une contribution, une réponse propre à maintenir vivant le vieux débat… L’originalité du travail d’Aurélie Brame est de présenter pour ainsi dire simultanément les deux positions contradictoires – presque simultanément suivant les questions et les réponses du regard et de la raison.

Premièrement la peinture re-présente ce qu’elle n’est pas: du raisin par exemple ou ds jambons. C’est la tradition mimétique qui a formé l’essentiel de notre tradition picturale: nous faire voir ou imaginer le Christ et ses saints, ou plus tard seulement, des peupliers au bord de la rivière. D’autres artistes, c’est la seconde contribution, ont plus récemment recentré la peinture sur sa nature propre et matérielle: des formes, des couleurs et fi de la vieille, et peut-être trompeuse, iconicité.

Comme c’est souvent le cas, la peinture d’Aurélie Brame s’aperçoit d’abord à distance, on ne se rapproche que progressivement. Le premier regard embrasse d’abord un étalage, et on ne sait pas encore que ce n’est qu’un étalement de couleurs. Ce qui s’étale, et s’accumule aussi: des jambons, des saucisses, peu de persil, l’essentiel va à la chair, à l’abondance et au gras, à la surenchère. On est au marché, aux halles (se souvenir alors de Zola, du …).

La convention de la nature morte est bien morte puisqu’elle nous rappelle que l’étalage du charcutier se développe sur toute la surface du tableau, mais, lorsque l’on se rapproche, les jambons s’évanouissent pour laisser place à l’assemblage fortuit - et jubilatoire - de formes aux tons chairs, chacune affirmant son indépendance vis-à-vis du rayon charcuterie pour nous emmener au rayon éprouvé des nudités et de l’érotisme, un érotisme sans retenue, saturant la surface picturale… La facture tient du réalisme dans les tons mais s’arrête finalement au pied de la représentation sans céder, c’est le paradoxe, à une formaliste abstraction. Dans ce qui apparaît comme une seule évocation picturale, chacun fera son propre chemin, cette œuvre n’est pas «ductive» - au sens autoritariste du terme, où nous serions obligés de conformer notre regard à l’œuvre - le chaos proposé engendre ici une vision qui n’est pas univoque.

De loin, nous vîmes du culinaire, mais un peu plus tard et un peu plus près, c’est le jeu d’un pli qui nous surprend, car à l’évidence et dans le détail, certaines surfaces devenues fictifs volumes, font de l’ombre aux autres. Ces plissements d’un coude, d’un genou – à moins que dans une friction ce ne soit une superposition de corps - évoquent au delà de l’étalement, une profondeur. Cette profondeur en peinture se tient dans la fiction. Que dire encore de ces toiles, où une forme brune ou encore noire – elles sont quelquefois multiples – évoque au milieu des chairs une ou des béances, des plongées, comme celle bien connue de L’Origine du Monde de Courbet? Cette fois ci, la peinture nous entraîne bien au delà de sa seule surface pour instaurer un regard – un lieu d’échange entre la toile et l’œil, entre ce qu’il y a et ce qu’il y aurait.

La peinture d’Aurélie Brame, qui ne résout rien comme toute prise de position artistique intéressante, nous pose le problème de la peinture sur toute l’étendue de sa surface et dans toute sa profondeur.

Site d’Aurélie Brame : http://aurelie.brame.free.fr

Traducciòn española : Santiago Borja

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