Interview
De Benjamin Sabatier
Par Pierre-Évariste Douaire

Comment as-tu abordé cette exposition?
Benjamin Sabatier. Cette exposition représente deux ans de production. La présentation de tous les travaux permet de mettre à plat et de comprendre mon travail récent. Le tout est très cohérent. Les processus de fabrication sont toujours les mêmes. Ils sont facilement reproductibles et se résument à peu d’éléments. Comme ils sont apparents, chaque spectateur en renrant chez lui peut réaliser ce qu’il a vu en galerie. C’est très simple à faire. Chacun est capable de réaliser une colonne de scotch. Rien n’est caché, tous les matériaux sont simples et communs.

Avais-tu envie de placer cette exposition sous le signe du logo?
Benjamin Sabatier. Le travail sur les logos fonctionne sur le même mode opératoire. Chaque logo, chaque pictogramme est compréhensible immédiatement. Ils sont aussi simples que les objets que j’utilise. C’est leur combinaison et la lecture qu’ils imposent qui complexifie le discours.

Dans les œuvres présentées, tu accumules, répètes des matériaux et des signes visuels. Pourquoi?
Benjamin Sabatier. Je récupère ce que je trouve. Je ne suis pas responsable de la couleur ou du design des quatre cents rouleaux de scotch qui me servent à élaborer une pièce. Ce n’est qu’après la collecte que le travail de plasticien peut commencer. Avec une légère variation, un objet courant peut devenir une œuvre d’art. Retirer un produit de consommation de son circuit de distribution revient à lui enlever son utilité. Quand je choisis un objet dans un supermarché je lui refuse toute commodité. L’accumulation d’objets permet d’insister davantage sur les formes que sur leurs usages. L’accumulation permet de pointer toutes ces choses. Ce qui est valable pour un objet l’est davantage pour un visuel. La superposition de pictogrammes annihile tout message. Grâce à cette opération le contenant devient un contenu. L’utilité de la boîte disparaît au profit d’une profusion du langage.

Beaucoup d’artistes travaillent sur le logo actuellement. Tu utilises ce matériau en étant pro ou anti-pub?
Benjamin Sabatier. Mon travail plastique permet de me situer dans le monde. Les objets que je fabrique sont autant des pistes pour comprendre notre environnement. Grâce à eux je parviens à me positionner, à prendre parti. Mon opinion sur la consommation diffère de celle des Nouveaux Réalistes. Entre les années 1960 et aujourd’hui, un fossé nous sépare. La mondialisation est passée par là. Je fonctionne différemment mais l’aspect critique reste présent.

Tu aimes révéler ce qui est caché?
Benjamin Sabatier. J’aime comprendre la nature d’une œuvre d’art produite selon les modèles économiques et commerciaux d’aujourd’hui. Pour expérimenter cet univers j’ai créé en 2002 la société IBK. C’était lors de ma première exposition à la galerie Jérôme de Noirmont. Le logo insistait sur la fabrication de l’objet d’art et sur sa commercialisation. Le fait main disparaissait. Il était remplacé par un kit, analogue à ceux que l’on trouve dans les grandes surfaces de bricolage.

Avec les kits d’IBK, le collectionneur devient un consommateur?
Benjamin Sabatier. Le collectionneur doit monter lui-même la pièce qu’il vient d’acheter. Il se retrouve avec une boîte. Il est dans la même position que devant un meuble en kit. Il dispose d’un patron, d’outils, de matériaux et d’un manuel en cinq langues traduit à l’aide d’un logiciel automatique, comportant forcément des fautes de sens et de syntaxe. Il lui suffit de coller le patron représentant le motif à réaliser, de le punaiser pour obtenir le portrait souhaité.

Le collectionneur réalise-t-il lui-même la pièce?
Benjamin Sabatier. Dans l’analyse de ce circuit marchand — qui reprend les mécanisme des chaînes comme Ikéa — la société IBK invente de nouvelles modalités de distribution et de vente. Les kits à réaliser sont vendus dans des galeries d’art. L’acquéreur d’un kit doit faire un choix. Il peut réinitialiser l’œuvre, il peut la réinventer, la faire lui-même, mais il n’opte pas toujours pour cette solution. Il préfère ranger la boîte et sa notice dans un placard.

Comment expliques-tu cette attitude frileuse?
Benjamin Sabatier. Les collectionneurs ont peur de franchir le pas. A ce moment l’œuvre achetée disparaîtra. Elle entraînera derrière elle sa valeur marchande et sa valeur d’échange. Certains suivent les instructions et installent l’œuvre chez eux, en famille ou avec des copains, d’autres coupent la poire en deux et réalisent le motif sur planche.

Les kits rendent visibles les limites d’une œuvre.
Benjamin Sabatier. Les œuvres en kit permettent de pointer la valeur-travail et la valeur-marchande de l’œuvre. Le spectateur peut devenir auteur avec le patron. Il a le choix. Il peut décider de réaliser l’œuvre à l’endroit qu’il veut. Mais cette liberté a un prix. Il doit se libérer du temps, car punaiser deux mille punaises prend du temps. C’est un vrai investissement. Chaque personne décidant d’ouvrir un sachet du kit prend le risque de ne plus pouvoir revendre l’oeuvre qu’il punaise au mur. Sortie de son emballage l’objet se déprécie financièrement.

Cette fétichisation de l’œuvre ne te dérange pas?
Benjamin Sabatier. L’ambiguïté fait partie de la proposition. Je veux que le collectionneur se confronte à ce dilemme. Il doit faire un choix. S’il réalise l’œuvre il prend le risque de ne plus pouvoir la céder, s’il conserve la boîte intacte, il se prive de la vue de l’œuvre.

Tu joues sur le désir et les plaisirs contrariés.
Benjamin Sabatier. Avec les kits, les processus marketing sont inversés. C’est en voyant l’œuvre que l’on achète son emballage. Le contenant devient plus important que le contenu. La pièce punaisée en galerie donne l’idée

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