Par Gérard Selbach
Simon Moretti, artiste-curateur, présente un vaste panorama de l’art qui prévaut sur la scène britannique, dans sa variété d’expressions et sa diversité de moyens formels. En tout, quinze artistes sont proposés dans la singularité de leur démarche picturale via une ou plusieurs œuvres.
S’ils expriment leurs préoccupations dans des visions personnelles, un thème, très ancr&e
cute; dans notre monde, semble servir de fil conducteur et les mettre en connivence : la société de communication et de consommation.
Le titre de l’exposition, d’abord, suggère la réversibilité, le bouclage ou la circularité de la communication. Ensuite, la proposition réalisée en néons roses de Simon Moretti,
Fame (2005), est un signe par excellence de visibilité provocatrice de notre société de consommation où la publicité est reine.
Moretti devient son propre médium et média, ce qui n’est pas sans rappeler la formule : « The medium is the message ». L’enseigne est une tautologie, flashant un besoin de reconnaissance, une affirmation de sa quête d’atteindre la célébrité et d’entrer dans le star-system.
L’anonymat ne sied guère aux artistes, surtout « après Andy Warhol », pourrait ajouter Goshka Macula. Celle-ci prend le contre-pied de l’artiste Pop et de son showbiz, et préfère questionner plus discrètement la muséographie en explorant les frontières qui définissent les structures de l’exposition, et en fournissant un environnement total aux œuvres des autres artistes qu’elle intègre aux siennes dans des vitrines, recréant ainsi un nouvel espace muséal résolument anti-« cube blanc » (
After Andy Warhol, 2004).
Joe Scanlan, quant à lui, s’interroge sur les objets quotidiens, leur utilité et leur valeur esthétique et d’usage dans un projet réalisé sous les auspices de la ville de Birmingham.
Black Country Rock (2003) est composé de dix sacs plastiques noirs, remplis de déchets synthétiques. Le titre est une référence à la chanson de David Bowie qui parle de la ville minière de Hull, et le portrait de Mick Ronson, guitariste du chanteur, orne les sacs. Scanlan veut faire de son travail un manifeste engagé et montrer que les conditions sociales difficiles des habitants de la cité industrielle affectent l’expression de son art, le choix des matériaux et les critères de fabrication et de production. Ce thème était décliné en plusieurs travaux dans l’exposition proposée par l’artiste à Birmingham en 2003, comme par exemple
Pay Dirt, dont le titre polysémique résumait avec pertinence la pénibilité du travail, les bas salaires et la saleté environnante, et justifiait le tas de charbon et la pelle exposés.
Gabriel Kuri, lui aussi, retraite les signes de la société de consommation en un « art commercial ». Deux produits, puisés dans la vie quotidienne, et leurs publicités sont transformés en artefacts en les exposant sous la forme de deux tapisseries en laine :
o.b. tampons (2003) et
Adult Diapers (2003). La matière et le format du support créent un décalage et une nouvelle destination dans un lieu qui les marque comme art. Avec
Milk Crate and Empty Bottle Enlarged to 130% (1998), Elisabeth Wright procède à une démarche identique et propose un casier en plastique bleu et sa bouteille de lait vide, symbole iconique de la fin d’un mode de vie britannique (la livraison de lait à domicile par le milkman), ce qui explique son grossissement d’échelle.
Autre symbole iconique, celui de la plante verte dans son bac en plastique blanc, sorte de caoutchouc, (
Untitled Structure, 1987-2004) qui ornait tous les bureaux et appartements, surtout dans les années 1970 et 1980. Une fois encore, la transposition de lieu proposée par Gareh Jones change la fonction et le sens.
HCK (Furniture Sculpture)(2005) de John M. Armleder offre une autre illustration de la société de communication. La disposition centrale des deux fauteuils noirs manufacturés crée un lieu de conversation où l’on échange des idées quoique le tapis bordeaux très plissé, qui sépare les deux sièges, semble suggérer l’impossibilité de communiquer. Dans une démarche très duchampienne, Armleder exhibe des ready-made et le lieu de l’installation en change le statut de meuble et le sens.
Avec
Vertical Black Shelf (2004), Shahin Afrassiabi questionne la fonction d’un objet lorsqu’on modifie sa position habituelle. Dans ce cas, il prend une étagère et la place verticalement. Celle-ci n’offre alors plus de point d’appui et devient une composition linéaire, sans profondeur. Seule sa verticalité est perçue, ce qui déstabilise la vision qu’on en a. Ce n’est pas sans rappeler les travaux du « geometric abstractionist » américain, Charles Biederman.
La vidéaste Heidi Kipeläien, produite sous le code
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