Par Isabelle Soubaigné
Initiée par Tristan Tzara et les Surréalistes, la pratique du “cut-up” développée par Brion Gysin à la fin des années 1950 est adaptée au cinéma et à la peinture. La collaboration avec William S. Burroughs à la même époque donnera naissance à un livre,
The Third Mind, dont les planches originales constituent «une tentative de fusion de deux âmes pour créer une troisi&
grave;me entité».
Le découpage et le collage de fragments de phrases dans un nouvel ensemble inattendu crée une ouverture, un champ de possibles à exploiter. Ugo Rondinone utilise à son tour cette méthode de travail et la transforme en dialectique de la rencontre. Il juxtapose ici différentes oeuvres afin de dessiner un paysage artistique complexe et imprévisible. C’est par le biais de différents thèmes et de quelques artistes que nous pouvons l’aborder.
Rapport au corps. Une voiture accidentée, entourée de photographies en noir et blanc nous attend à l’entrée de l’exposition. Ces clichés en noir et blanc, images de parkings désertés, nous laissent un instant perplexe et face à un récit assez énigmatique.
Car Park de Sarah Lucas est le réceptacle d’une certaine violence. Si la majeure partie de ses productions condense un surplus d’agressivité, cette fascination est toujours sexuelle.
Que penser alors de cette installation? On regarde à nouveau les prises de vues qui recouvrent les murs. Ces endroits figés, vidés de toute présence humaine, nous mettent mal à l’aise. Probables décors de quelconques homicides, ils nous renvoient à notre propre vulnérabilité. Nous sommes exposés à un hypothétique danger. On presse le pas et on découvre la première salle.
Les têtes en bois, habillées de cuir, de Nancy Grossman nous confrontent d’une autre manière à la brutalité d’un propos similaire. Des pics, des harnais et des fermetures éclairs se substituent aux différentes parties de ces visages devenus anonymes. L’individu en tant que tel n’existe plus. Privé de ses sens, Il est instrumentalisé. Il devient l’objet de fantasmes subis où se mêlent à nouveau de manière ambiguë, violence et sexualité.
Plus loin, le travail de Sue Williams reprend les mêmes thèmes et montre le corps fragmenté et désordonné. Jambes, pénis en érection, poitrines et bustes aux positions suggestives peuplent ses acryliques et ses peintures à l’huile.
Mélange macabre et érotique, ces chorégraphies plastiques se veulent agressives et satiriques.
Shoes est le théâtre d’une représentation voyeuriste. Un homme se masturbe au-dessus d’une paire de chaussures de femme. Nous sommes les témoins de cette scène privée, dévoilée au grand public et face à nos instincts les plus refoulés.
Références parcellaires au corps, “cadavres exquis”, tous ces assemblages de membres épars soulignent un discours récurrent dans l’espace investi pour l’occasion. Mis bout à bout, les propos singuliers de chaque artiste et leurs productions particulières entrent en échos et écrivent une autre histoire, celle d’un nouveau quotidien.
Si certains utilisent l’enveloppe corporelle comme médium, d’autres explorent différemment notre relation au monde. Cady Noland décrypte les médias en tout genre et utilise la presse comme objet d’étude sans émettre de jugement moral.
En critiquant la manière de vivre de ses compatriotes elle se pose en «anthropologue social» et tente de décortiquer la notion de rêve américain. Elle dissèque la société et ses contradictions, souligne le pouvoir des médias et ses dérives. Ses sérigraphies sur panneaux de métal exhibent de manière démesurée des unes de magazines. Elles reflètent aussi l’image du spectateur qui les contemple. Il fait alors partie intégrante de l’oeuvre.
Attiré par les faits divers, il devient consommateur de gros titres comme denrées périssables et s’inscrit dans un cercle vicieux. Il alimente le système pervers des journaux et éprouve du plaisir en se délectant de leurs scandales et, finalement, de ses propres travers.
Dans une autre salle, Andy Warhol détourne et cultive le potentiel de reproduction de l’industrialisation à outrance. Les boîtes de «Campbell’s soup» ou de lessive «Brio» trouvent leur pendant dans les
Screen Tests installés au Palais de Tokyo.
Le thème est similaire. Ses vidéos de trois minutes présentent des visages d’amis comme des «stars fien puissance». Mais la succession des postes de télévision posés au sol et la démultiplication de ces portraits leur fait perdre toute identité. Elle les fait tomber dans l’anonymat. Ils se transforment à leur tour en objet de consommation devant lesquels on s’arrête quelques instants avant de reprendre notre visite.
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