Par Johana Carrier

Premiers mouvements-Fragiles correspondances, la première exposition du Plateau entend donner le ton. Celui d’un nouveau lieu d’art contemporain orienté vers le soutien et la présentation de la jeune création, associée dans cette exposition à quelques grandes figures de l’histoire récente de l’art. Cette aventure s’ouvre par un hommage à Robert Filliou, dont un nombre conséquent de travaux est rpproché d’œuvres de treize artistes de différentes générations.

Chez Filliou la création participe d’un projet collectif d’abolition des frontières qui séparent l’art et la vie. Lorsqu’il dit "l’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art", il pose l’art comme une ultime liberté de l’esprit intervenant dans l’expérience quotidienne de chacun. Le titre Work as Play — Art as Thought (1973) illustre ainsi sa conception du travail comme jeu et de l’art comme pensée.

L’exposition, fédérée autour du système de valeurs et de pensées initié par Filliou, propose des prolongements et des connexions entre les démarches. Parmi lesquelles le nomadisme et la déambulation (André Cadere, Hans Jürg Kupper, Till Roeskens); le bricolage et la construction (Francisco Ruiz de Infante); la question du point de vue (Santiago Reyes, Till Roeskens); l’identité et l’altérité (Santiago Reyes, Till Roeskens, Dana Wyse); l’interrogation sur l’œuvre d’art (Les Acolytes de l’art) et l’artiste (Eric Hattan); l’expérimentation de l’espace (Gordon Matta-Clark, Bruce Nauman, Francisco Ruiz de Infante, Hans Jürg Kupper); la répétition, l’accumulation (Hans Jürg Kupper); le quotidien (Marie Legros) ; la mise en avant du paradoxe (Harun Farocki).

La visite débute avec Monde parallèle (2001) de Santiago Reyes. Deux photographies représentent une enfant et son chien, prises à quelques secondes d’intervalle. Associées en un seul objet, ces images interrogent la notion de point de vue, en l’occurrence double. Une lecture active, liée au déplacement, permet la compréhension de l’image. Reyes raconte une temporalité différente, le passage d’un mouvement à l’autre, d’une action à l’autre. Barre de bois rond (non daté) d’André Cadere jouxte l’œuvre de Reyes et renforce cette idée. C’est un objet portatif propice à la déambulation. Il n’est soumis à aucune règle, et peut être présenté dans tous les sens et en tous lieux. Dans l’exposition, Barre de bois rond devient un clin d’œil au nomadisme de Filliou, en particulier lorsqu’il crée en 1961 la Galerie Légitime, un "lieu d’exposition" situé dans son chapeau! Filliou, fidèle à son projet, rendait possible l’intégration de l’art à la vie (et vice versa) en réduisant, voire annulant, les frontières.

Exploration des frontières (entre extérieur et intérieur, réel et imaginaire) également chez Till Roekens. Tout comme pour Filliou, ses œuvres sont des "tentatives d’y voir plus clair". Dans Enquêtes (2000-01), il réalise un autoportrait écrit à travers le regard (ou point de vue) de l’autre : ses proches et des inconnus le décrivent dans des textes que Roekens réunit dans un livre. Paysage continu (2001-02) explore la perte des repères et déconstruit le regard: une photographie fragmentée en quatre parties dévoile de légères différences de point de vue.

C’est sur les frontières du lieu que se penche Francisco Ruiz de Infante lorsqu’il montre l’envers du décor. Il s’intéresse aux espaces interdits, à savoir les sous-sols du Plateau. Grâce à un savant bricolage, la construction (ou dé-construction?) d’un espace de bois et un système complexe de caméras vidéos, l’artiste nous entraîne dans un tour de l’inaccessible mis au jour.

Le bricolage est un aspect phare du travail de Robert Filliou. Il réalisait ses œuvres à l’aide de morceaux de carton et de bois, de bouts de ficelle et de fil de fer, de clous, de briques, etc. Le recours à des matériaux pauvres et usuels, de même que l’aspect bricolé des œuvres, dénotent l’intérêt que Filliou portait au projet plutôt qu’à l’œuvre, au processus de réflexion et de création plutôt qu’à l’objet achevé. Son "principe d’équivalence" affirme que "bien fait = mal fait = pas fait". Le "mal fait" autorise l’erreur, elle-même source de créativité. Ses séduisants bricolages s’opposent à l’académisme du "bien fait", étranger à la créativité. Le "pas fait" illustre l’idée, le concept. Portrait de l’artiste: bien fait, mal fait, pas fait (1973) montre tour à tour un portrait classique au crayon, une photographie

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