choses plus amples, plus riches et plus intempestives que les produits formatés qui saturent notre attention et émoussent nos sens. Voilà ce que pourrait un art libéré de l’emprise de la marchandisation.
Face à l’ampleur des moyens de capture de l’attention, cet art pourrait trouver dans son impuissance un atout. «Élever l’impuissance à l’impossible» (Alain Badiou): cette force des faibles, l’art peut la puiser dans sa capacité à innover, à inventer des postures inédites, à  suivre des chemins d’esquive.

A mesure que le marché se fait plus hégémonique, les artistes sont de plus en plus nombreux à essayer de le déjouer. Non en le refusant frontalement, mais en le contournant esthétiquement. Les avant-gardes du XXe siècle n’ont cessé de provoquer le marché en déconstruisant le tableau en tant que forme canonique de l’œuvre-marchandise: un objet matériel unique (ou presque) et de configuration achevée, réalisé de préférence à la main, de taille raisonnable et assez facilement transportable, présenté dans un espace modérément vaste sur un mur ou au sol.

On doit évidemment la première grande provocation contre le marché à Marcel Duchamp dont les ready-made abolissent le faire manuel des œuvres et la subjectivité de l’artiste. Andy Warhol, qui voulait «dépicturaliser» l’art, a entraîné la peinture du côté de la mécanisation industrielle, notamment par l’usage de la photographie qui deviendra, dans les années 1980, un matériau artistique majeur, marquant une étape décisive dans l’évolution de l’esthétique autant que du marché.
De son côté, le Land Art avait déjà déserté l’espace symbolique (white cube) de la galerie et du musée, tandis que le Body Art avait inscrit dans l’art le corps comme matériau et surtout, avec les performances, le processus, l’inachèvement et l’immatériel.

Récemment, dans un contexte totalement différent, Gregor Schneider a présenté à La Maison rouge une installation en forme de dédale (Süßer Duft), qui mobilisait chez les visiteurs un vaste registre d’attentions.
Avant même de pénétrer dans le dédale, qui n’acceptait qu’un visiteur à la fois, l’attente assise, assez longue pour permettre de rentrer en contact avec les autres visiteurs, pour suivre les protocoles d’entrée et de sortie, était en fait un moment d’attention particulière — entre l’arrêt-ralentissement de notre vitesse antérieure, la proximité avec les autres, une certaine impatience et une réelle curiosité. Un moment de désir.
Quant à la déambulation dans le dédale lui-même, entre noir profond et blanc éclatant, entre les divers matériaux et lumières, entre les configurations et types d’espaces, on était convié à une expérience sensible plurielle combinant les modes d’intensités et les régimes d’attention. Avec la vue et le toucher, les mains sur les parois et les pieds sur le sol, le sens de l’équilibre et de l’orientation; avec les alternances de douce panique, de tension, de surprise et de soulagement: le corps et l’esprit, la sensibilité et l’attention, étaient stimulés, excités, activés.

En ces temps de «drôle de guerre» de l’attention, de telles expériences sont devenues rares, et peut-être réservées à quelques points isolés du champ de l’art. Elles sont des points à tenir et préserver en vue de faire vaciller les puissances les plus orgueilleuses. Mais sauver ainsi l’attention ne se fera pas sans sauver l’art lui-même…

André Rouillé

Lire :
— L’éditorial n° 236: La guerre de l'attention
— L'éditorial n° 232: Rapport Bethenod : pour un marché de l’art… de propriétaires

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