Interview juin 2003
Né en 1973 à Nice, Côte d’Azur, Emmanuel Régent vit et travaille à Villefranche-sur-Mer et à Paris. Parallèlement à une exposition au MAMAC de Nice, il participe à l’exposition collective « Regarde-moi » du 27 juin au 30 juillet 2003, à la galerie Alain Le Gaillard à Paris.


Gérard Selbach. Emmanuel Régent, nou

avons eu l’occasion de nous rencontrer lors de l’exposition «Comme un lieu commun» à la galerie Saint-Germain de l’université de Paris V en mai 2002. De quelle manière votre démarche personnelle s’était-elle intégrée au groupe et au lieu?
Emmanuel Régent. Le lieu était, en effet, peu commun: une très longue galerie du XIXe siècle, des murs en pierre, des frises, des sculptures, un sol en marbre, le tout très solennel et institutionnel, un monument classé. La démarche du groupe, son positionnement, a été un parti pris radical d’investir le lieu sans rajouter de supports pour créer une exposition traditionnelle avec des murs blancs et des cimaises, etc. Nous avons travaillé in situ pour atteindre à une intégration maximale et décidé de concevoir chacun un travail qui s’adapterait à la salle telle qu’elle était.

Cette démarche correspondait bien à votre recherche personnelle antérieure…
C’est exact. Mon travail joue sur la discrétion. Des formes apparaissent parce que le spectateur doit rentrer dans une sorte de jeu pour faire surgir un travail réalisé en deux temps: dans un premier temps, une forme invisible et dans un deuxième temps, une apparition. Un exemple avec ma pièce «Buée» présentée pour l’exposition «Dessin en cours» sous le commissariat de Francois Bouillon aux Beaux-Arts de Paris en 1999Buées, souffle sur plexiglas. J’ai présenté une série de longues tiges très fines, presque invisibles, portant des carreaux de plexiglas transparent de 6 x 6 cm. Le cartel, en plus de Buées, signalait la technique: souffle sur plexiglas, et le spectateur devait s’en approcher et souffler de la buée, soit en le comprenant par l’évocation de la technique, soit en ayant vu quelqu’un souffler sur la pièce, soit encore en l’ayant lu dans le catalogue. Apparaissaient des formes géométriques: un carré, un triangle, une étoile, comme si elles sortaient de la bouche après avoir été conçues par l’esprit. Elles se fixaient sur la plaque quelques secondes, puis s’effaçaient. J’aime l’idée d’invisible, puis de révélation, même fugitive.

Ce qui a été le cas pour «Comme un lieu commun».
Oui, j’ai développé l’idée de chasse au trésor. J’aime bien que mon travail soit empli d’un certain mystère. Pour cette exposition, j’avais pris des photos très précises de détails de cette salle: des parties du mur de pierre, du bois des grandes portes et des grilles d’aération. Ces photos ont été agrandies à l’échelle 1 avec une coordination parfaite de couleur, puis les photos étaient replacées à l’endroit de leur prise de vue. Elles se confondaient parfaitement avec les sujets qu’elles recouvraient, au point de devenir invisibles. Elles s’intégraient, se camouflaient. Le public était amené à chercher le travail. Aucun cartel n’indiquait leur emplacement. Seul un plan signalait les endroits approximatifs où se trouvaient les travaux.

Vous revenez sans cesse sur le rôle, la participation du spectateur. Joue-t-il un rôle essentiel dans votre démarche? Est-il une sorte de co-auteur?
Nous jouons un jeu de cache-cache ; sa participation est importante dans le jeu de découverte, mais aussi dans l’espace laissé neutre pour qu’il puisse projeter son imaginaire.

Comme dans vos peintures de l’exposition «Regarde-moi», à la Galerie Alain Le Gaillard.
Là, les peintures sont quasi monochromes, encore que je n’aime pas le terme de «monochrome» parce que j’applique plusieurs couleurs. Ce sont des sujets peints, figuratifs à peine visibles, recouverts, dans la tonalité générale de cet aplat. Dans l’œuvre intitulée En travaux, la couleur de la peinture est bleue, bleu-gris, où l’on devine le camion d’un constructeur participant à des travaux, rempli de bois et de gravats. La partie droite du tableau est illisible: c’est un espace, une surface réservée au travail de l’imaginaire du spectateur. Le fait qu’on ne puisse reconnaître le sujet immédiatement, m’intéresse beaucoup.

Une démarche que vous aviez également explorée dans l’exposition «104 Murs», à la Galerie Éof.
Le processus était un peu différent. Il s’agissait de dessins pliés en quatre. Lorsque le spectateur les regardait à la

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